肢體慣性
我的慣性之一是練團時喝咖啡
肢體慣性是什麼？
肢體慣性是不需經過思考，
就能啟動並自行完成的連續動作，
像是每天早上的盥洗、刷牙，
或在電腦輸入自己的帳號密碼...
將反覆多次的動作串連起來，
像自動步槍，扣一次扳機，
子彈就連續射擊到結束為止；
起床就聽音樂、一進辦公室就喝茶...
這類動作，都是一種慣性。
肢體慣性可以降低大腦的運作消耗，
讓省下的腦力可以應付其他更消耗的事務；
於是我們可以在刷牙時回味昨天的劇情、
折衣服的同時心裏咒罵老公...
對樂器演奏者而言，慣性很有用，
音樂的領域裡，最重要的維度就是時間，
演奏時需在有限時間裡
「構思、牽動肢體、操作樂器、檢視(聽)聲音」
可能因要想的事太多而腦袋當機，或拍子大亂；
因此將常用的音符群模組化，
反覆練習到進入「肢體慣性」的狀態，
使用直接扣下腦內扳機，讓音符自動發射，
降低手忙腳亂的風險；
特別對於結構、動作稍微複雜的音符群，
這些練到滑順、好聽、手法固定的樂句，
就成了「Licks」。
慣性的功能
- 為了處理複雜或常用的樂句，
將其練習到慣性模式，
可以將省下來的腦力用在處理動作之外，其他層次的事情，
像是：下一步要演奏什麼？(這是最基本也最常被忽略的)
音樂的架構、樂句或段落的銜接、注意速度、音量平衡、音色調整、
音樂性成不成立、與其他樂手的互動... - 特別是將數個模組化的樂句(音群、手法...)加以組合，
很容易製造出聽覺效果或視覺效果很強的演奏； - 即興時，作為靈感斷電的急救包。
慣性的缺點
- 模組化音符群(Licks)聽起來(或看起來)比較炫，
使樂器學習者花許多時間練習這些手法；
但太依賴慣性，使演奏不經思考，
(少數樂手在演奏時是沒想法的)
音樂的內容因此空洞，乍聽(乍看)之下頗為精彩，
實際上就是一連串熟練的動作組合，
視覺效果大過聆聽樂趣；
是一種「名為音樂，性質是雜耍」的行為。
以「說話」譬喻，濫用慣性是「口頭禪」，
在大腦開始思考之前，便脫口而出；
即使發音精準，卻沒什麼意義；
偶爾Jam Session有這樣的樂手在台上，
不經過「聆聽、思考、做出反應」的過程，
只顧著演奏在家裡就背好的台詞(樂句)，
不能算是「即興」。 - 創意瓶頸。
不少樂手有相同困擾：
創作時，抱著樂器彈奏著重複性很高的東西，
寫出來的歌每首都差不多。
(畢竟是手指代替大腦來思考)
有些音樂家刻意使用不熟悉的樂器來作曲，
為的就是避免慣性的負面影響。 - 速度不自覺加快或變慢(加快居多)，
多數人重複操作習慣動作時，
會愈做愈快，背誦也會愈背愈快；
(在練習時就應積極避免)
加上演出時因為亢奮，
使慣性樂句時的時間感扭曲，
所以「不噴則已，一噴就趕拍」還蠻常見的。
樂句之外的慣性
是習慣性小動作，而這些動作負面的居多，
難以察覺且不勝枚舉，就鼓手來說像是：
「大鼓16分音符切分的踩踏動作，跟右手銅鈸的動作捆綁在一起」
「某些段落不做某一種過門就很不舒服」
「不先隨便敲個幾下，就無法正式開始演奏」
以「讓音樂好聽」而言，應避免多餘的聲音。
「訓練方面，對抗慣性；演奏時，善用慣性」
練習時，需觀察動作與聲音，減少無意識重複；
經常無意識的練習，使大腦進入思考懶惰，
演奏常因此陷入瓶頸，愈練瓶頸卡得愈牢；
這時需求助專業：
好的指導老師也扮演訓練者的角色，
能觀察狀況、發掘問題、提出方案、設計訓練；
演奏時(特別是即興演奏)有如說話，
說得差的人，儘管話多，聽來仍不知所云，
說得好的人，讓觀眾聽到扣人心弦的故事，
演奏者需花心思設計情節、安排起伏，
讓詞彙(聲音)細膩生動；
構思整段演奏時，慣性樂句可作為素材，
思緒斷線時適量使用，加上留白，
有助於發展演奏動機；
當故事張力與情緒累積將爆發時，
可將最炫的慣性樂句，作為錦上添花的爆點，
像是動作片裡，主角那句耍狠用的口頭禪，
時機用對了就很酷。
...暫時寫到這裏，未盡詳細之處，將來補上。
與同為音樂老師的各位互勉：
我們與學生們，都在音樂產業之中，
就是這社會玩音樂與聽音樂的人，
某程度上，我們可以影響音樂文化與風氣的好壞；
除了讓學生動作很炫很好看之外，
一起學習「聽跟思考」，對音樂生產者與消費者同樣重要。
參考閱讀：什麼是過門？
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