由「掉拍」討論鼓手的速度控制模式

「掉拍」常被認為是鼓手的明顯演奏失誤，
但是掉拍的大部分時候，是由旁人(觀眾或同台的樂手)發覺，
鼓手自己是沒有感覺，或者，雖然感覺到卻難以控制；

鼓手一但發現自己會掉拍，很容易失去自信，
懷疑自己打出來的每一個音是否準確，
因此演奏出來的聲音便顯得飄忽不確定：

有些鼓手選擇用節拍器做訓練，
不只練習時開著節拍器，
演出、錄音時也開著節拍器，
節拍器可說是鼓手的好朋友，
但是它的作用不只是打鼓時開著做速度上的參考，
長期對著節拍器硬練，有些鼓手的速度穩了，
但節奏也變得僵硬；

那麼，鼓手該怎麼面對「掉拍」這個大麻煩？
難道自己真的不是塊打鼓的料嗎？

其實
大部分的人都有潛力演奏好聽而穩定的節奏，
關鍵在於「注意力放在哪？」，
依注意力的焦點大約分為三個方向：

1. 肢體的動作
2. 演奏出來的聲音
3. 感受時間

1.肢體動作(慣性)
很多鼓手在演奏時，將注意力放在肢體動作，
心想畢竟是學打鼓嘛，當然注意手腳的動作啊，
除了注意老師要求的基本動作有沒有跑掉之外，
也照著鼓譜上的標記來決定「第幾下右手配上左手或大鼓...」這樣的動作，
如此一來，真正能維持速度的，往往是演奏Hihat 或 Ride的右手，
這可不是好方法，因為速度只依靠肢體的「慣性」來維持，
隨著音樂裡的情緒起伏，右手速度也會變快或變慢；
更別說在過門的時候，HH或RD上的慣性動作暫停，
切換到另一慣性模式的手法時，
原本就不太可靠的肢體慣性改變了，容易產生速度落差；
這也是為何很多學生鼓手在過門時容易變化或變慢的原因。

在就慣性本身來說，
那是一連串透過練習，進入肌肉記憶模式的動作，
像是刷牙，像是在電腦鍵盤上輸入自己的名字或密碼，
是一種不經思索，一起動就做到完成的自動化程序；
而人會本能地把這自動化的動作愈做愈快，
像是被一段台詞(或背書)、或流水線上的作業員...
會不知不覺地將動作加快，
如在疲勞狀態下，則會開始速度不穩或變慢。

2.演奏的聲音

能將注意力放在聲音的鼓手通常有較高的程度，
或者具備真正的天份，
也有較佳的音樂性(演奏比較好聽)；
專注在聲音的時候，也會專注在節拍，
儘管速度不一定像對準節拍器那樣穩定，
卻有種自然的呼吸感；
如果是演奏很重視呼吸的音樂種類會很適合，
像是部分古典音樂、中國、日本的民俗音樂、台灣的戲曲，
有隨著指揮的想法(或呼吸)而調整速度的需求；
若是演奏搖滾樂、R&B、Jazz等音樂，
雖然音樂的語氣是自然的，仍會有些速度上的不穩定。

3.感受時間

較不容易體會，卻也是最適合鼓手的方式，做個比喻：
我們可以感受到一天的時間過去，與一個小時的時間過去，
有很大的不同；
至於感受一秒鐘與兩秒的時間差異，對很多人來說也不是難事，
但是鼓手要感受的不僅是「時間的量」，
而是要感受一種比量化時間更抽象的「速度」，
在等量的時間之內，有無限種速度的可能，
多數歌曲裡，自始至終會維持固定的拍速，
鼓手須以「維持固定的拍速」為基礎，
在此基礎上，作各種演奏動作，
並且不因這些演奏內容而影響意念中的拍速，
最好還能同時注意演奏的音色與各聲部間的音量平衡，
還要思考音樂性是否成立...
這是要成為一個好鼓手的重要能力，
也因此諸位大師如Dave Weckl、Peter Erskine...
總提及「Time Feel」的重要性；
一但對於「時間量的感受」與「速度」(Time Feel)夠堅定
才有可能不靠死背，實踐難度較高的演奏觀念，
如：Modulation、Polyrhythm

節拍器的角色
作為速度的參考與實現各種訓練目的，

節拍器是非常好用的工具，
但多數使用狀況卻小看了節拍器的能耐：

(狹義的節拍器定位)
對著節拍器做各種速度的演奏與練習，
練習者容易依據 每段時間中的節拍器訊號(聲響或燈光、震動)

來確認演奏否正確，並依此調整速度，
練習者並不真的將注意力用在「決定速度」
而是用在「調整速度」
離開節拍器一段時間之後，拍子可能重回混亂。

在許多音樂形態中，人類的演奏尚無法被機器取代，
主要的原因是人性的特質，
套在節奏的領域裡來說：
節拍絕對精準的音樂，不一定是最好聽的音樂，
事實上大多數的音樂風格各自有不同的「精準度寬容值」
許多經典錄音在後製階段，
選擇了拍速相對稍不穩(但更有音樂性)的版本作發行；

因此「掉拍」應被認知為速度感的混淆，
如果認知中的速度沒跑掉，
下手時飄掉一兩個音並不對音樂造成重大影響，
演奏出的音樂畢竟是由音樂家的「大腦」決定，
而非手腳的慣性。