70年代音樂簡述（增建調整中）

 這裡說的七零年代音樂，是1970~1980之前，大約十年之間的北美洲（主要是美國）地區，也包含部分資本主義陣營的歐洲地區——所流行的音樂；這當中包含許多音樂風格，難以一次寫完，我先寫一部分，剩下的再逐步完成。

從當時台灣社會的角度來看這些音樂，一律當成「西洋音樂」或是熱門音樂，雖然其中包含許多不同風格；而台灣人接受度較高的以軟性基調的抒情歌曲、鄉村或民謠音樂、輕搖滾...為主，至於Ｒ＆Ｂ、舞曲、剛萌芽的電子聲響、爵士、Fusion、拉丁音樂等風格，沈浸其中的人就不算多數了。

七零年代音樂特色

傳統聲響為主

合成音樂技術在當時雖然已經出現，但仍未成為主流，所以大部分的七零年代音樂的聲響都非常的Acoustic，也就是以傳統的樂器聲響為主，在此把電吉他與低音吉他（Bass）也視為傳統樂器的範疇。

加入錄音技術仍然是類比，所以有許多聲響的特徵、音樂性的特質與現代音樂大不相同，舉例說明：

節奏與音準的彈性

由於沒有硬碟錄音與數位介面的介入，音準無法由數位技術做事後的修補，所以在收音（錄音）的時候就必須儘量唱準（或演奏正確），一旦沒唱準或唱錯就只有重來，但當時的錄音是很貴（時間與耗材都是），一旦開錄就是分秒在燒錢，所以歌手樂手的基本能力與事前準備非常重要。

但即使歌手樂手的能力已經很強，人仍不是機器，錄音施予製作團隊往往會面臨類似的抉擇：錄得最好聽的那個版本有點瑕疵，而錄得最工整版本則比較生硬沒感情.....在無數這樣的選擇累積之下，70年代的音樂中有非常多人性化的痕跡，有時音準稍飄或拍子稍衝稍緩，卻很有溫度。

錄音的技術門檻決定音樂樣貌

相較於此，現代的錄音技術乃至於音樂製作的技術門檻降低，數位介入後製與調整的程度很高，音準與拍子常被自動調整到過度精準的程度，而正常的情況下，人類難以做到這麼精準的音準與拍子，以至於現代的錄音會呈現精緻而冷冽的質感，在動態的表現上也比較平扁。

對出生在90年代之後的閱聽大眾，若無經歷足夠的類比聆聽經驗，就難以分辨這樣的差距；而出生於80年代之前的音樂愛好者，即使說不出原因也能感受到差別。

編曲的方式影響音樂風格

承前述，由於70年代錄音的資金、技術門檻很高，所以後製介入的比重較低，編曲也比較「清淡」，這裡說「清淡」的意思是比較少的錄音軌數（以免搞死收音與後期製程），這連帶使編曲者的思維與現代大不相同。

現代的編曲很容易一層一層疊加上去，覺得哪裡不夠再補一些Midi演奏的音軌上去，加上音源（預先做好的音色）已經很好，以至於編曲思考的縝密程度可以稍低一點；這樣的好處是聲響上的變化更多，天馬行空的創意出籠。

吉他手的黃金世代

70年代前能在編曲方面投注大量資源「邊做邊試」的音樂人不多，大概只有（60s活動的）Beatles能這樣不顧成本地玩；大部份當代的音樂人在編曲時，由於資源受限，會將注意力投注在音樂本質上，花更多時間設計和聲、節奏、對位，安排聲部之間如何搭配，因為資源就這麼少，投注更多的「思考與心力」成為必然，加上60年代以來吉他、樂團技術的成長，70年代成為吉他手的黃金世代，無論在演奏技術、創意、音樂性，70年代的吉他手與樂團技術與60年代相比，呈現爆炸性的成長，也為80年代轉向合成音色的趨勢投下變因。

理想的教學素材

也因此，就流行、搖滾等音樂風格的學習者來說，70年代音樂是理想的資產，因為大部分的聲音都是札札實實由人類所彈奏出來的，加上豐富的音樂性，非常適合作為學習的素材。