我的教學系統——訓練

在傳統的教學模式中，通常是老師示範、學生模仿，老師再給予修正意見，讓學生反覆操作。然而，這種方式有時會讓學習者感到挫折，因為許多技巧的難度不在於「知道怎麼做」，而是在於「能不能做到」。

我認為有效的教學不只是讓學生知道如何操作，而是透過精細的訓練方式，幫助學生突破學習瓶頸。因此，我的訓練系統包含以下幾個核心要素：

1. 分析問題（Problem Analysis）

在訓練的第一步，必須清楚了解學生遇到的問題，而不是單純地讓學生「多練習」。例如：

• 動作不夠流暢？ → 是哪個關節或肌肉影響了運動的順暢度？

• 聲音不夠清晰？ → 是擊打位置不對？還是施力方式錯誤？

• 節奏不穩定？ → 是時間感不穩？還是肢體協調的問題？

這些問題的發生可能來自於技術層面，也可能來自於認知層面。因此，在訓練之前，必須釐清問題的根源，才能對症下藥。

2. 分析技巧運作的原理（Mechanics of Technique）

當問題被找出後，接下來的步驟是分析技巧的運作原理，也就是理解動作與聲音的關聯性。

舉例來說，假設學生的單擊（Single Stroke Roll）不夠流暢，我會進一步拆解這個技巧，分析它的關鍵因素：

• 施力方式（手腕 vs. 手指的使用比例）

• 反彈控制（如何利用鼓棒的自然彈跳）

• 動作連貫性（如何讓每一下擊打銜接順暢）

• 節奏穩定性（如何讓每個音符保持一致）

這樣的分析不只是幫助學生知道「怎麼做」，而是讓他們了解「為什麼要這樣做」。當學生對技巧的運作原理有更深的理解後，他們可以更有系統地提升自己的演奏能力，而不只是盲目地練習。

3. 找出效率最高的練習途徑（Optimized Practice Methods）

許多學生會陷入「練習很多，但效果有限」的困境，這往往是因為練習方式沒有針對問題點來設計。有效的練習應該是有目標的，並且能夠在最短的時間內產生最大的進步。

訓練方法舉例

（1）分段練習（Segmented Practice）

• 如果某個樂句太難，可以拆成更小的部分來練習，等到每個部分都熟練後再組合起來。

• 例如，學生無法流暢演奏一個 16 小節的 Fill，可以先拆成 4 小節、2 小節，甚至 1 小節來精細練習。

（2）變速練習（Speed Variation）

• 學習新技巧時，過快或過慢的練習可能都會影響進步。

• 例如，快速節奏的片段可以先用 超慢速 來確保動作正確，再逐步加快。

• 反之，某些 Groove 若過於機械化，可以嘗試用更快的速度來測試動作的自然度。

（3）重複與變化（Repetition & Variation）

• 練習時，不只是機械式地重複，而是在重複中加入變化，這樣可以提高學習效果。

• 例如，在練習一個 Fill 時，可以試著變化動態（強弱對比）、節奏型（切分、異拍），甚至加入不同風格的應用。

（4）專注於細節（Micro-Focus Practice）

• 許多學生在練習時，只關心「整體是否順暢」，但真正影響表現的往往是微小的細節。

• 例如，某個節奏 Groove 聽起來不夠「穩」，可能問題出在小鼓和 Hi-Hat 的時間點沒有完美對齊，這時候就需要針對這兩個聲部進行細微調整，而不是一味地整段重來。

4. 根據學生的狀況給予個別化訓練

每個學生的學習狀況都不同，訓練方式不能一體適用。因此，我會根據學生的需求與學習狀態來調整訓練內容。

舉例來說：

• A 學生：時間感不穩 → 訓練重點放在穩定拍點，透過節拍器訓練、分拍對應練習來加強。

• B 學生：音色控制不佳 → 針對擊鼓角度、擊打位置進行細部訓練，並透過錄音檢視進步情況。

• C 學生：協調能力不足 → 強化四肢獨立練習，透過簡單模式進階到複雜模式。

這樣的個別化訓練能夠確保學生不會被「統一的進度」所限制，而是能夠針對自己的問題點進行改善，進而提升整體能力。

結論：訓練的核心精神

傳統教學模式往往只注重「示範與糾正」，但真正有效的訓練應該包含更深入的分析與設計。我的訓練系統強調：

1. 找出問題，而不是一味練習

2. 了解技巧的運作原理，而不是盲目模仿

3. 設計高效率的練習方式，而不是機械式重複

4. 根據學生的狀況，給予個別化調整

這樣的訓練方式，能夠幫助學生突破學習瓶頸，讓他們不只是「會彈」，更能真正掌握音樂表達的能力。